此前备受关注的电影《赛德克·巴莱》将于2012年5月10日在内地上映。此前宣传方称《赛德克·巴莱》是中国版《勇敢的心》，但事实上，该片内涵远达不到如此高度。相反，由于影片核心内容的空洞，使得片中难以掩饰的狭隘民族观念显得格外刺眼。虽然影片制作不可谓不用心精致，但这部观感并不舒适的电影注定要引起争议。

《赛德克·巴莱》是不是一部好电影？这个问题很难回答，因为好电影的标准是因人而异的。《赛德克·巴莱》是一部制作认真的电影，但也仅此而已。

影片用了大量的篇幅来表现仪式，以致起义爆发前的情节过于冗长，而对于起义后在山中的抗日战斗又太简短。导演很努力地希望观众在电影的前一个小时能完全理解和接受赛德克民族的世界观和价值观，以至于这一个小时的内容拍得如同朝圣一般，充斥着旁白、歌唱和仪式。但这种说教对于大部分观众来说，还是颇费脑子的，尤其是来自赛德克族土语，更令人头疼。

通常战争影片的人文情怀，无外乎“反战”、“爱国”等。但在战争题材电影中鼓吹“仇恨”的，《赛德克·巴莱》大概是在国内上映影片中的第一个。

电影视角从男主人公莫那鲁道所领导的部落出发，在开头即交代其与道泽部落间的仇恨，逐渐展开至土著人对日本人的仇恨，然后细化为族中传统猎人对开化教育的仇恨以及土著人对日本殖民者的仇恨，最终在仇恨中迎来了大量的死亡。

《赛德克·巴莱》一本正经地认同和宣扬近似恐怖主义的民族精神。对于以杀灭生命为目的的暴动，影片中称之为“血祭祖灵”；而整个对日抗争过程，就是力求杀人，以期获得死后走过“彩虹桥”的资格。

最为严重的是《赛德克·巴莱》触到了一般商业片的底线，有意识地渲染未成年人涉足杀戮的桥段——而且，影片似乎是对这个“少年战士”持赞许态度的。

除了杀戮，似乎仇恨无处可解。而影片是赞赏这种杀戮解决仇恨的方式的，称之为“真正的赛德克”。

《赛德克·巴莱》这部看上去意识形态意味很浓的电影，其实无意涉足意识形态，只是希望向早已遗失的猎人精神或者说战斗精神致敬。为此，影片原本可以做出适应现今普世价值的改编。

但影片主创一味认同原始民族的精神力量，很难跳出历史的框架，非要还原到部落社会的价值观，甚至还希望观众去认同。赛德克族追求的是恢复在山里占据猎场自给自足的状态，而这一要求和现代文明发展是相悖的，结果只能是同归于尽。而且，影片中赛德克族人并不在意侵入自己领地的是日本人还是道泽族人，一并杀了最好。混淆是非，使观众反感。

《赛德克·巴莱》意欲褒扬的“勇士”精神本是好的，偏偏在影片中被拍成了“野蛮”——“如果你的文明叫我们卑躬屈膝，那我就让你们看见野蛮的骄傲。”正是此类台词的宣教，割裂了文化传播，造成了文明之殇，影片却还在为之膜拜。

文/康雪烛

在台湾做节目，不怕咖不来，就怕咖不大。拍电影同样的道理，柯孟融算个幕后D咖，黄志玮是C咖，张睿家勉强算得上B咖，《绝命派对》打的这些牌实际上很难让人买账。所以好歹还有个小泽玛利亚，她不仅是A咖，还算得上是AV界的女皇，几乎人人都知道她从事的行业，并习惯性的再某个暗夜拜倒在她的作品面前。玛利亚小姐既用了圣母之名，自然是美艳绝世、倾国倾城，颇有古代名媛的范儿。

平日不大触碰“动作片”类型，偶有交流也是误打误撞碰上舍友在作奸犯科，所以算得上很无辜。A书、A盘常常是敬而远之，艺术片捎带的则是尽情消化，曾有舍友义正填膺的指出俺“打着艺术幌子看A片”的事实，心里就有点虚晃，但总还有辩解的方法，某日托某个朋友犯贱，顺便参观了一次小泽玛莉亚的胴体，才知何为世上难得的尤物，从此总引得萦绕梦境。看《绝命派对》的理由也很简单，不是为了“类型片”，也不是张睿家这个猥琐男，而根本是小泽玛莉亚的裸体，不晓得有多少同胞有这种倾向，女性应当不会，因为看过就免不了会自卑。

《绝命派对》在台北上映之时，两档娱乐节目《康熙来了》和《王牌大贱谍》都做了重点推介，小泽一身晚装亮相，与康永哥用英文侃侃而谈，压根不见一丝风尘气。赵哥也是饶有兴趣，奈何英文极差，也搭不上话；比较不喜欢张睿家，表情生硬、爱摆臭脸，至今都觉得06年那个金马新人是个笑话。黄志玮只算个边缘角色，一米九的身躯算的上型男，在宝岛不红，内地却混了个风生水起，这还须拜09年雷死众人的两部剧所赐，一部是《仙剑奇侠传3》，另一部是《一起来看流星雨》。 

八卦有点多了，还是要谈电影，主创是不见经传的角色，题材又是没法“辅”的猛料，要想成功就有点异想天开。公司把重点托付在小泽的身上，显然有点欠考虑周全，香港影坛早些年有过试水之举，小泽圆、大友梨奈、村上丽奈纷至沓来，票房也都不怎么样，钱文琦多年后色欲重生，大张旗鼓笼络日系群优加盟香艳《金瓶梅》，也没能如李翰祥那般造出一部风月传奇。《绝命派对》选择小泽玛莉亚的理由，也许是她的得天独厚，小泽算是电影的那块长板，短板却终究太短，观众不满意难上心，纵然小泽玛利亚宽衣解带春光尽现，也终究是无济于事。

肢解、残杀、逃亡，血淋淋的海报告诉我们柯孟融拍了一部“惊悚悬疑片”。与其说是开辟了台湾电影的“新类型”，不如说是山寨了一把美国B级片的套路，格局小、主要人物也不多，戏路集中，应该算得上火花四溅，《绝命派对》的定位就有点偏，不顾前因后果，不管逻辑顺畅，硬生生把故事拖进频乱的乱砍和谋杀里。恐怖片在讲述行凶目的的当口需要把理由说圆了，至少铺垫要够，并尖锐的对准故事的中心事件。《月光光心慌慌》这般作品成为经典，自然样样不缺，《绝命派对》连最基本的理由皆难以成立，勉强抛出一个“富人的嫉妒”来解释，这一来有了让观众们冷笑的可能。

仅有的一处亮点是影片把富者杀人的戏段上升到一种“仪式”的高度，国外电影也早已用过了，只是把这种仪式搬演到“舞台上”，还是饶有新意。影片对屠戮者的刻画亦没能逃离恐怖片的一般思绪：面具男、尖刀、室内追杀，配乐相当刻意，情调渲染上也丝毫不见创意的成分，这中间尤其要紧的是那种逼人的紧张恐怖气氛，应该带点神秘味，不晓得是黄志玮先生和外国友人要争取上镜时间还是怎样，早早脱下了自己的面具，让影片的悬念和恐怖感过早流失掉了。不合逻辑的地方更是比比皆是，为什么张睿家一逃出来，那辆名贵的法拉利跑车就守在那了？还有，那女主角本是一个受人欺凌的售货员，又怎么能在危机面前镇定万分、头脑清醒了呢？ 

也许柯孟融在行的还是肢解与杀戮，看的算不上惊心动魄，只是胃囊里的抽搐连续发作，断手断脚一车一车推出推入，导演拥有的就是这本事，要的亦是这效果。给人看鲜血和让人明白“恐怖”是完全两种概念，后者在台湾恐怖片中做的也算出色，虽然大多离不开灵异事件和超然思维，不过好歹还能在无声中堆积毛骨悚然的快感。《绝命派对》要的是感官，与恐怖片里算得上低级效果，即使是虐杀的题材，电影于尺度上放不开，杀人技巧上的工活同样属于陈词滥调。张睿家用中指捏破蟑螂的腹部，半死之后拖着胃肠继续爬行，许多导演都会摈弃这类令人作呕的镜头，本片还是照单收下，也根本不管这一幕是不是比张作骥的《蝴蝶》里曾一哲吃蛇的那场戏更惹人生厌。

电影做成这样，成功也只能靠奇迹了，小泽玛莉亚不是圣母，也左右不了票房，何况她又根本不是电影的主角。到底这位AV女王还是用来做噱头的，电影里出现了她的写真集，自然是一丝不挂三点尽露的那种，还惹得张睿家差点流鼻血。小泽出现的篇幅亦够短，够惊艳也是花样百出，除了和黄志玮玩玩“车震”，还少不了与张睿家的贴身热舞，甚至还火辣的抓了一把后者的鸡巴。短暂的床戏则是看的极不过瘾，张睿家单薄的身板无疑降低了这场肉帛战的快感和美感，显得太过草率，如若换成猛男身板的黄志玮，相信会成全一场淋漓尽致的持久战。

有点生气的是小泽玛莉亚在28分钟就草草挂掉了，后边就几近是虽然无味的段落，导演继续玩他的残杀，观众却已经准备好了开骂。原来我们都只是来看小泽的，或者付了钱，或者费了时间，最后得到的只是未满。

文/灰狼

　　一

　　杨德昌拍了个良有名的片子叫《一一》。沉不下心的人，别看它，看它时不能浮光掠影，要往深处想的。寻找热闹和刺激的人，别看它，这里没有格斗、血腥和上床的镜头，没有感官的兴奋，只有心的悸动。坐不住的人，别看它，要坐三个小时呢。你带着生活的挫折来看它吧：失恋、失爱、失利、失和、失势、失衡……它像一棵菩提树，你可以静静地坐在下面，把口问眼，把眼问心，是用心来看的，浅浅的日常生活的画面，让你思索深深的人生哲理。

　　如10岁的洋洋可以看，如20的婷婷、莉莉可以看，如30岁的阿弟，如40岁的简南俊，如老年的婆婆。每个年龄段都可以来看，来陪着电影款款地思索自己的人生。但要小心，看完了，你就老了。老了，有一种解释就是成熟了，过来了。所以，片尾洋洋在婆婆的葬礼上说：婆婆，我好想你，尤其是我看到那个还没有名字的小表弟，就会想起，你常跟我说：你老了。我很想跟他说，我觉得，我也老了……

　　你怕参透人生吗？别去看它，你怕活过一遍吧？别去看它，你怕从浑沌中醒来吗？别去看它。

　　但是，只要你看了，就会觉得这是很耐看的一部电影，看一遍，肯定不够。 

    二   

　　一个名字只要诞生在世，就既属于你，也不属于你了。你起的名字，你可以解说，他人也可以按另一种思维来解说。电影《一一》的名字就可以有多种解说：

　　说一就是一，世界就这么简单，何必想得那么复杂，

　　一生二，二生三，三生万物。

　　一和一是一样的，我和你是一样的，这一辈子和再活一辈子也是一样的。如简后来跟他的妻子所讲：“你不在的时候，我有机会去过了一段年轻时候的日子。我本来就会说，如果再过一次的话会有什么不一样。结果，我没有发现有什么不同。突然觉得，再活一次的话，好象真没那个必要。”

　　考虑一，就是一，要一心一意，一个心眼，一根筋，一个理念，不要三心二意，世界上烦人的事都由三心二意引出来的。

　　焦雄屏先生说是片名a one and a two则指陈西方爵士乐在JAM SESSION开始前所说的话，象征其形式的自由，即兴

　　当然还有杨德昌自己的解说词，还有其它众人的中外解说方法，见仁见智吧。虽然这题目有点难解，虽然百分之八十的人看完电影，第一个反应是：这片名是什么意思？但还是挺有吸引力的

　　三

　　杨德昌是一个编辫子的能手，而且编的不是三股辫，是多股辫。他的《一一》中故事里有故事，故事外有故事，故事套故事、搅故事：

　　简南俊的故事，他家里洋洋的故事、婷婷的故事、妻子自己的故事、阿弟的故事。邻居莉莉的故事，莉莉和胖子的故事，莉莉母亲及她和老师的故事，然后又把胖子和婷婷搅了进来。小田的故事、大田的故事，他们和简南俊公司、同学的故事。

　　头绪繁复而线条不乱，叙事清俐而互有关联，眉目清楚，脚步沉稳。

    四

　　片子一开始就借洋洋的被小伙伴捅后脑勺子的委屈，借画面表示了：你只能看到你的前面，看到生活的一部分。好了，导演来告诉你看不到的那一部分。但你不要惊讶，因为当你把你这个世界看透的时候，就会觉得：我老了，没有必要再活一次了。

　　洋洋说：“你们看不到的东西，我拍给你们看”。所以，洋洋就举着照像机专门拍人的后脑勺子。片子中洋洋对婆婆说的话正显示着杨德昌拍电影的心迹：“婆婆，我不知道的事情太多了，所以，你知道我以后想做什么吗？我要去告诉别人他们不知道的事情；给别人看他们看不到的东西，我想这样一定天天都很好玩。”

　　五

　　世界上，扔出去的物品，绝没有轨迹完全相同的两条抛物线，不同的物品没有，就是同一物品同一人去扔也不会有。轨迹，是不能复制的，人生是不能复制的。书店里摆卖着很多真真假假的名人成长轨迹的书，家长和教师不断地向孩子们推荐，希望如法泡制他们，让他们也成为名人，其实那是不可能的。如果可能，请家长和教师先泡制自己吧。当然，这些传播一种精神还是可以的。

　　所以人是不可能让另外一个人去教他怎么活下去，怎么过日子。简说：“我考上电机系那天，我爸很开心，我妈很开心，你也很开心，而我呢？我反而是最悲哀的人。”有时，上一代好像让下一代按自己设计下的轨迹发展，成功者又有几个？幸福者更有几人。生活也许并不复杂，是家长们想得太复杂了，其实选择每一种生活都有可取性，也是可弃性，但无论哪一种，都一样，

　　走自己的路吧，勇敢地走，不要惧怕第一次，每一天都是新的，都是第一次。

　　六

　　胖子对婷婷说“没有一朵花，没有一片云，是不美的！”这就是对生活的理解，人为什么喜欢看电影，喜欢看电视，就是因为电影里可以让人重新生活一次，重新体验一次！在电影里寻找另一种生活、再一次生活，肉体不能感受，心感受了，精神感受了。电影帮助你造梦，虽然梦醒后你又到原来，但不是多了一次经历吗？其实换个角度看，这个世界上一切都是美丽的。真的，只要静下心来好好享受生活，就会觉得美。

　　七

　　洋洋问：“你看的到的，我看不到，我看的到的，你也看不到。我怎么知道你在看什么呢？我们是不是只能知道一半的事情呢？”所以，在虚心，要听别人说你不知道的另一半，不可一叶障目，不可刚愎自用，当然更不可塞耳闭目。虽然别人说你看不到的事物是从他的角度出发的，不一定完全符合你的标准，你也可以静静听来分析一下，辩证一下吧。

　　我们常常看到警匪片中，搭档们在一起出去战斗，不是并排着面对一个方向，而是背靠背地各管一方。朋友在一起应该这样，夫妻在一起也应该这样。一个互补型的朋友、家庭、团体才是牢固的、有发展的、安全的。

　　八

　　我们不可能改造社会，我们只能适应社会，而且这个世界变化得太快。最后，老人婆婆回光返照的好起来了，下了床，坐在凳子上，给了才下学回到家里的婷婷一个惊喜。婷婷以为是看护慧玲在哼歌，结果是婆婆在哼歌。婆婆给婷婷折了一个纸蝴蝶，婷婷拿在手里，把头靠在婆婆的腿上和婆婆说心里话。

　　婷婷说：“婆婆，为什么这个世界和我们想的都不一样呢，你现在醒过来，又看到它，还会有这样的感觉吗？我现在，闭上眼睛，看到的世界，好美。”

　　对，这个世界的复杂性就是它不老按常规出牌, 常出奇牌怪牌，使你意想不到。谁能想到卧床很久的婆婆会突然醒来，如正常人一般呢。但是，我又想婷婷是不是不应该说那后半句的什么“闭上眼睛，看到的世界，好美。”唉，使婆婆也很无聊赖，导致最后，心死人亡了。

　　九

　　简南俊的夫人敏敏说：“我怎么跟妈讲的东西都是一样的，我一连跟她讲了几天，我每天跟她讲的一模一样的，我早上做什么下午做什么晚上做什么，几分钟就讲完了``````我受不了了，我怎么只有这么少，怎么这么少呢，我觉得我好像白活了，我每天、每天，我每天像个傻子一样，我每天在干什么？”

　　虽然引用的长了点，但是我认为有意义。我们每人都应该问问自己，是不是也如此般行尸走肉的活着，我们的人生的方向在哪里？人生的终极目标是什么？每天又向它靠近了多少？

　　既然我们参透了人生，朋友，为什么不干出地番事业来对得起自己！

在流浪了台北多年之后，蔡明亮把镜头重新对准了吉隆坡，这是一个充斥着劳工的城市，也是他多年阔别的故乡。在这座城市里，华人、马来人、孟加拉人拥挤在一起，白天做工，晚上就熙熙攘攘的晃荡于街头，寻找自己灵魂上的慰藉。当烟尘袭来，这个残破的城市开始显现了灾难性的图景，孤独城市的人们妄图用塑料袋和饭盒来相互隔离，烟尘依旧在空气中弥散，他们早已经无处可去。

故事仍然发生在一个腐朽的环境，李康生一人分饰两角，一个常年痴卧在病床之上，一个失魂游走在街市之间，他们是被抽空、被摧毁、被抛弃的人群，失去了生活和爱的能力，仅能靠他人的照料和关怀延续自己的生命。孟加拉工人Rawang、茶店老板娘以及服务员琪琪都忙碌着各人的琐事，他们都是爱的载体，面对的却是那一潭绝望的死水，抑或那个近乎木偶的植物人。《黑眼圈》探讨的已经不再是“灵与肉的分离”，而是“爱与被爱的割裂”，这仍然是都市疏离的一类典型症状。

《黑眼圈》纵然还晦涩、冷漠，却已经不再灰暗，我第一次在蔡明亮电影里看到真爱的表像，那是Rawang和小康相卧于床垫上深情凝望的眼神，也是琪琪躺在小康身边慢慢拥抱的画面，同和异的共存是一个奇特而荒谬的故事，不管是红色的暖光还是蓝色的冷光，都已经开始指代起爱情。Rawang和琪琪则是爱的劳工，他们和病榻上的人一起失语，并转向了默默奉献，Rawang为那个流浪汉擦洗、喂药、爱抚，琪琪也不例外的给那个植物人滴液、清洁，到头来也换不到一个笑容的回报。这像是这座腐朽的城市给他们的应对，那是麻木、陌生、有点同情，又有些爱恋的寄托。

影片里的“黑水”拥有很深的寓意，那不但是一种绝望的心绪，更象征了一种“被环境吞噬”的背景，黑水在这个绝望的都市里四处流淌，任何人都已经无处可逃。在我们可以想象的范围里，家是最温暖、最安全的去处，只是电影里的人们都是游子，他们无处为家，只能逃到一张捡来的床垫上作为最后的避风港。对Rawang来说，小康是一个捡回来的男人，也是他幻想和痴恋的对象，Rawang乐意去洗刷床垫、清洁污秽，其实就是要构建爱巢来留住自己的爱人；对琪琪来说，病榻上那个男人是个渴望而不可及的假象，她纵然能每日摸到他的肌肤，却得不到任何爱抚，只能求助于那个长相一摸一样的流浪汉；老板娘在这里象征一种欲望，那是一种近乎霸道一般的对异性身体的贪婪，用到自己儿子身上，就是一种对阳具恶狠狠的侵犯，或许只有对一个永远不会醒来的人才能如此肆无忌惮。

那个有“自然活性”的小康成为了三个人的共同目标，她们想尽方法要“给予”，他却始终只有落魄的无语，这种情感之间的无法对接传达了人与人之间的疏离与隔阂。那个破旧公寓的床垫上，两个人赤裸着上身，靠的那么接近，彼此的距离又是如此遥远，于此同样的还有陈湘琪，她与小康试图在那张床垫上，彼此已经接吻却因为空气中的烟尘太浓而无法继续，这是蔡明亮一贯在电影里探讨的都市人际关系，每个人都试图打开心门去突破彼此的禁区，预热的动作都是偷窥与试探，陈湘琪从地板空隙里偷看楼下的植物人，恰巧反映了自己渴望沟通的本能。影片里穿插一首李香琴的老歌《很不奉君未嫁时》，描写的就是陈歌辛对李香兰那种渴望与无可言明的情愫。

片中的烟尘灾害来源于苏门答腊岛火灾事件，蔡明亮把这个背景转移到电影中来，打造成一种绝望的末世情怀。烟尘构成了对这些欲望男女最后的冲击，Rawang在眼眶湿润的一刻原谅了小康的背叛，而琪琪也悄无声息的爬上了那张象征最后乐土的床垫，这是世界即将毁灭之际的诺亚方舟，它载着三个依偎在一起的人，漂流在没有尽头的黑水之上，远去，拯救了世界上最后一份温存与爱情。

文/灰狼   更多 www.130q.com

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说到底《渺渺》并不算很出色的一部电影，但恰巧是我喜欢的那道菜，它的青春底色如同那个烤箱里慢慢抽出的泛着浓香气的面包，又如那个昏黄的夜晚从一间隐匿CD店飘出的若有若无的音乐。它像《蓝色大门》，两个女孩子手挽着手做着各自迤逦的梦；它又像《盛夏光年》，两个大男生夹身在爱与被爱之间难以逾越，青春和爱情，本来就是漫漫人生最宝贵的东西，一旦逝去了，就会后悔莫及。

故事发生在那个最懵懂的十七八岁，那是一个青涩的学生时代，迟到的女孩子在同伴们的掩护下从后门溜进教室，还是逃不过老师的金睛火眼。那是一个还需要罚站的年纪，每天啃书要啃到半夜的辰光，她们仍然很懂得自我消遣，做蛋糕与其说是一种癖好，不如说是一种可以达到自我放松的解脱方式。如果说青春是这样一盘咬起来松软的蛋糕，那么爱情就像是顶上泛着的奶油和巧克力，很诱人，很甜蜜。

昏黄的街头是那个已经寻找不到的永记蛋糕店，曾经的门头如今摆满了各式各样的二手CD，声音从它的门缝里传出，入夜，袅袅动听，牵动着女孩的思绪。房子的里头是一个寂寥的男人，戴着隔绝世界的耳机，活在那个他和爱人曾经一起的时光里。音乐和电影一样，不是一种逃避人生的手段，而恰恰是让感情翻腾的搅杆，如果青春是录音室里肆意挥洒的呼喊，那么爱情就像那变化的旋律，很沉郁，又会很疯狂。

青春总是蕴含无限的可能，爱情总是充斥复杂的变化，一蹦一跳，一颦一笑之间，那暖暖的手，那讨厌的青豆，勾勒出一幅青葱岁月里的爱情油画。

2

   
这还是一部习惯性的台湾电影，如其说习惯，不如说癖好。台湾电影生长了这么多年，市场早已经惨淡了，唯有承接着台湾电影新浪潮的艺术电影和那些散落着的青春片顽强的延续了下来。美丽岛事件是一个双刃剑，艺术家集体突围那一刻很有力量，人们却忽略了他们身上与创造力同样强大的破坏性，于是新浪潮一过，西门町的戏院大多荒芜起来，只有青年导演容易上手的青春片在小打小闹，抚慰着台北观众的最后一点信心。

一水之隔的香港电影也在逐渐凋落，逐渐被并入了华语大电影共荣圈，除了那个拒绝面北的杜琪峰、死磕到底的邱礼涛，这个东方好莱坞自我坚持下来的东西似乎寥寥无几了。仍然值得数落一番的，也就只有那数量不多的青春爱情片，麦婉欣的《蝴蝶》、《八月的故事》，彭浩翔的《青春梦工厂》、黄真真的《六楼后座》、谭国明的《七月好风》，这些电影陷在一部一部纸醉金迷的商业制作里，常常难觅踪影。

如果说青春片在内地、香港是一个很纯粹的萌芽期，那么在台湾便是疯长。从《牯岭》、《青少年哪吒》一直到《蓝色大门》、《练习曲》、《海角七号》，青春片近乎被推上了工业流水线，它们的外壳颜色和内在质感越来越相像，很多人便会对此遗憾。我们往往会讨厌程式化的东西，乐意与追求一种新的感官刺激，《海角七号》纵然刺激了票房，又带给了我们什么样的新事物呢？

曾经有一类叫做“情节剧”的东西，它们的人物单纯而完整，受困与命运压力、情感波折，剧情慢慢的严重模式化。台湾青春片的滥觞好久了，要不要做些改变呢？
 

3

  
其实《渺渺》的故事很简单，一对女生，一对男生，各自生活，又相互交织。女孩子的故事仍然是蛮吸引我，这是一种细腻的，发散在不知不觉里的墨绿味道，很天然，又很诗意。我吃叹于泽东的电影总能给人一种“笼罩”的感觉，不温不火，又恰恰让人的心绪被圈在其中不能自拔，不过有的东西用的滥了，常常给人一种虚假的感觉，王家卫的陈词滥调亦近乎是过时了，没头没尾的说教讲述的似乎都是曾经的事情。

据说起先的剧本并非如此，仅仅是渺渺和小瑷的一条线，陈飞和小贝的另一条则是后期补拍的，拼凑的效果很明显，导演的野心也很大，奈何他不是GAY，所以这段男人之爱处理的干瘪而又造作。与《渺渺》相比，张艾嘉的《心动》、易智言的《蓝色大门》便要干净和纯粹的多，没有过多的旁枝末节，人物的情感方向便更多的集中，我想《渺渺》如果删除了陈飞那条线路，总应该会更好一些。

泽东的设计一直做的很漂亮，最明显的是他们的各色海报，我想它们在内地无数弱智海报的包围里，应该算是鹤立鸡群了吧。片尾的设计也很漂亮，电影里的道具随着演员表一起出现，虽然是白线的勾勒，却充满了符号化的想象空间。

范植伟是泽东的签约演员，片中演“忧郁老板”陈飞，范植伟的忧郁气质类似梁朝伟，后来被王家卫看重，又为王家卫所耽误。

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同性恋似乎已经不再是一个容易惹眼的话题，《断背山》奥斯卡折桂是一次对禁忌的破除以及对人类情感观念的重铸，也正是自此开始，同性片找到了自己可以抬头的空间。台湾的同性恋题材的惹火时间要追溯到2003年公视拍摄的电视剧《孽子》（白先勇的同名小说改编），主演便是范植伟，《孽子》是六年前的事情了，当年引爆了金钟奖，陈映蓉的《十七岁的天空》、陈正道的《盛夏光年》、周美玲的彩虹三部曲纷纷破土而出。

记得早年程青松先生在那嘟囔“同志亦凡人”的时候，我就在想同性恋应该是爱情的一种，就像《渺渺》里的小瑷握住渺渺那太阳般的双手，枕在对方肩头的一种悸动；陈飞和小贝的爱情更像是面临着雷池，竟然不敢越过。导演的处理是有轻重的，前者是轻描淡写的情感渗透，后者就恨不得热烈的敲打出声来，总有些失衡的感觉，台词的突兀感亦很明显，那个久久不肯开口的陈飞为什么会说一句“我是他男朋友”呢？

周美玲的片子常常遭人诟病，但是对于情感处理的段落则是很细腻自然，《飘浪青春》里的三段爱情，都充满了隐喻的印象，人物的情感关系也给与了留白。《渺渺》里的两个女生尚且存在一种潜移默化的效果，陈飞和小贝就太过赤裸裸的直白，这段关系也把女生的故事冲散了，打乱了，范植伟算是一个不错的演员，却没有帮上影片什么忙。

也许有的观众不想把它纳入“同志片”的范畴，因为它并不扰乱我们的内分泌，纯情与同性的嫁接，应该算是一种美好的关系吧。

单看电影的技巧层面，《渺渺》或许不会输与《沉睡的青春》或者《蓝色大门》，它的摄影、构图、演员表演都算是可圈可点。程孝泽把镜头拍的很美，晕黄的灯光效果配合一种慢摇，是一种细腻、诗意、又有些怀旧感的味道。张叔平的美术设计应该是近乎完美的，那个深夜里的二手CD店、泛黄的鱼缸、日式的平房、连绵的雨景都在传达着一种淡淡的情感蔓延效果。

演员表演应该是值得夸赞的，尤其是张榕容，之前的《单车上路》、《花吃了那女孩》给我的印象并不深刻，《渺渺》里的活泼痴情的小瑷才算是一个最合她本色的身份。不可置否的是小瑷是影片的主角，柯佳嬿扮演的渺渺却是偏据一旁，这是一个桂纶镁式的女孩子，举手投足都带着一种温吞的气质，搭配倒也非常和谐。

张榕容靠本片获得45届金马影后的提名，是对她本人演技的肯定。

6

  
李欣芸担纲配乐，便很少让人失望，郑文堂的《深海》原声近乎是神来之笔，亦是出自李欣芸的手笔，之前写过一篇李欣芸的《深海》配乐的文章，同样是出于对这张唱片的偏爱，遗憾的是陶晓青老师没有将它编入《台湾流行音乐200》一书。豆导钮承泽在《情非得以之生存之道》里打趣：演员请周迅，配乐请欣芸，虽然是说笑，却俨然看得到李欣芸在台湾电影界的地位，《情非》后来找了范晓萱配乐，《爱的发声练习》同样出自她手，只是与李欣芸同年的作品《囧男孩》和《渺渺》相比，高下立现。

《渺渺》的配乐以钢琴为主调，又融合了打击乐和管乐，很好的烘托了各种心理变化过程。柯佳嬿在CD店听到的《长春花》则是一首台湾山地民谣，有一种返璞归真的质感。这种原住民音乐近来颇受青睐，像最《遥远的距离》、《练习曲》、《帮帮我，爱神》都曾邀请原住民乐手演唱电影插曲，其中《练习曲》的原声同样由李欣芸操刀制作。

也许陈绮贞是最不能被漏掉的，渺渺和小瑷在天台的一场戏，小瑷说渺渺的手像太阳，我便不自主的想到陈绮贞。陈绮贞的新专辑就叫《太阳》，放到这里应该是非常的合适，渺渺和小瑷的感情，也许像那块蛋糕，“一碰就会碎”。遗憾的是片中唱响的仍然是那首《旅行的意义》，这首歌很好只是用滥了，爱情故事也随之流散。

镜头摇过CD店里的唱片，《你不懂》、《我要我们在一起》、《今天你好吗》、《我们可否聊天跳舞》、《旅行的意义》……这是在向台湾音乐致敬吗？
 

7

  
说起来《渺渺》这部电影很暧昧，它把我们的思绪置于那样的青春时代，去感受那个年龄所遗失的故事，它像《九降风》，充满了一种对青春欢腾的感怀；它又像《蓝色大门》，挥不去那份纯真无暇的暗恋；它还像《飘浪青春》，融进了一种无可奈何的若有所失。如果说林书宇是在为自己的青年时代造像，那么程孝泽的《渺渺》又何尝不是为那份消逝了不见的青春和爱情造像呢？

青春，是不可回追的东西，爱情，是无法磨灭的印记。它们在那个啃书的年代里生长、发芽，在属于自己的音乐里蔓延、扩张，在偶尔喝下的一杯酒之中沉淀，在细心做出的一块蛋糕里凝结，在KTV的大声放歌里飞扬，在隧道里的撞车声中幻灭。

电影是造梦的艺术，它能穿越时间和空间，为我们逝去的一切重新打造属于过去的永恒画面。《渺渺》也许是一个破碎的梦，一章散落的故事，一曲幻灭的音乐，不过那份情怀，仍然能戳进你内心的柔软之处，久久蔓延，无法断绝。

文/灰狼   更多影评,书评,乐评 www.130q.com

《停车》则是带着一种暖意，并没有扑面而来，而是达到了一种“润物无声”的效果，片子一开始的时候主人公陈默（张震）是焦躁不安的，他急于回家和妻子一起吃饭却没有想到买完蛋糕后自己的车被挡了个正着。这个巧然安排的事件让人物开始被动进入一个陌生环境中去，也就是故事发生的那一个小区，这里的居民大部分都已搬迁，只有一层的断臂理发师、三楼的一家老小、四楼的卖淫团伙，陈默则是在一个不知情的情况下闯进了这个公寓，导演便用这条线抽丝剥茧把这个区域的故事展现出来。
 
主人公的心情也在这个过程中得到了潜移默化的影响，首当其冲便是亲情，三楼的欧巴桑眼睛看不见，儿子死了也一直活在被欺骗的世界里，所以陈默的第一次进入三楼就被误认为是欧巴桑的儿子小马，虽然被那双长满皱纹的老手摸在脸上是另一种感觉，他仍然会默默的站定着假装着那个角色，与此同时他的心里开始了一种化身小马的自我认同，之后便是一种发自心底的怜悯与同情，一起吃饭的一场戏很有温馨感，导演没有用那种普通的对切，而是大多运用了慢摇镜头去记录每个人物脸上的表情变化：欧巴桑的激动、欧吉桑的焦急、小女孩的惊讶、陈默的囧态，都一一尽收眼底。

之后便是人物的再度受困，陈默一不小心坐在了蛋糕上，裤子沾满了奶油巧克力，于是再次被动的进入那个公寓，冲洗干净之后发现自己的车居然再次受困。这一回遇到的是杜汶泽，这个在台湾欠了债的香港混子一回台湾的波士顿老布店就被黑社会追打，而黑社会的头子居然是当年的台剧一哥庹宗华，而陈默也因情不自禁踹了一脚路旁挡住自己的的汽车而受制于人，两个人同难之后竟成朋友，与他俩合拍的还有救下他们的断臂理发师。他们的关系是微妙的，有距离，却不保留，不多问，却又襟怀坦荡，同时这个关系又是戏谑的，所以会一起玩弹球世界杯，会一块坐下喝那锅沾过粪水的鱼头汤。
 

另外一段关系述说的便是善恶，它的线头不是靠人物引出的，而是自发并行，与之并行的还有抚顺与台北的际遇。李薇是一个东三省的下岗女工，后来被一个台湾男人带来了台北，沦落了风尘，导演花费了大量笔墨去介绍这个女子的来龙去脉，似乎有些多余了，嫖客变态性虐的一段有些像《洞里春光》，又有些像《三轮车夫》，抑或是《最遥远的距离》。陈默怒打戴立忍旨在显示一种“善”与“恶”的对立，之后的被打、复仇则是一种为制造巧合的手段，导演让张震把戴立忍装进了车厢，却没有告诉观众他会怎么做，或者这个理由只在乎去解放那个大陆妹，仿佛是很牵强的一种博爱。

最纠结的自然是爱情，桂纶镁扮演了张震的妻子，却在一个多小时后才出场，他们两个有一种病，精子和卵子会互相排斥，就像桂纶镁说的“精子只会在卵子身边打哈欠”，她们想要一个孩子，却不能如愿，夫妻感情的裂痕也日益深刻。在医院检查结果确定的那一天，桂纶镁在歇斯底里的喊叫，让这份感情也泛起了冰冷的色调。不过这一切的设定都是在昨天，那天晚上的张震没有回家，他叩开了一扇陌生的房门，得到的却是对生活的理解与自己的重构，这是一种逃离，又是一个做回自己的精神归途。

《停车》是一部相当不错的电影，它是诚恳的，温馨的，虽然有些做做，却不至于矫情。它的情感味道是很浓的，虽然设置的三段停车巧合还是有些刻意，不过已经不重要了。与此同时它也入围了去年戛纳电影节一等关注单元，并顺理成章成为金马奖的开幕影片，在那个《海角七号》与《投名状》分猪肉的颁奖礼上，《停车》也击败了强劲对手拿到了一个最佳美术设计奖。

走进别人世界的，不止是张震扮演的主人公陈默，而且还有导演，我不得不说这部电影很侯孝贤，它的质感、它的色调都融融着一种侯氏的淡淡忧伤，而张震、杨丽音、高捷也都是侯导御用的演员，事实上导演也是师从过侯孝贤的，所以难免会有这样的感觉；这部电影也很陈芯宜，因为它太像《流浪神狗人》，只是哥哥张翰换成了弟弟张震，苏慧伦换成了桂纶镁，我不得不说桂纶镁和苏慧伦是很像的，不光是发型、脸庞，连那种纯真淡然的气质近乎是神似，或许桂纶镁再过15年就是这样一个模样，高捷仍然是残缺的，只是假腿换成了假手；这部电影又很彭浩翔，真的很幽默，可能是因为杜汶泽，自从他和彭胖子合组了“不是兄弟”之后，那种黑色幽默味道就越来越足了，而张震在洗手间用牙刷刷鱼头的一场戏也很好笑，配上那种滑稽的音乐，真的很有彭氏喜剧的味道。

之前看过几部台湾片都非常失望，譬如陈宏一的《花吃了那女孩》以及李鼎的《爱的发声练习》，要么是一种抹不去的MV式的散乱篇章，要么就坠入了烂俗偶像剧的俗套，他们都是广告片出身，原始身份的印象却是强烈的，电影便自不像电影。倒是钟孟宏有些例外，也许是之前搞过的纪录片有所帮助，或者是他从类似的电影里偷师不少，所以《停车》的电影味更足，也更好看，全明星的阵容为这个片子增色不少，除了张震、桂纶镁、戴立忍、高捷等知名演员，尚有庹宗华、金世杰、九孔、纳豆等人参与客串，阵容之强，也许只有刘国昌的《弹·道》可以与之一拼了。

2007年的《最遥远的距离》也是一部关于人自我理解和重构的电影，不过选取的手段却是浪迹天边；《停车》的感觉则是更温暖，有更多的交流气息，胡德夫说：“你需要扣遍每扇远方的门，才能到达自己的门，这是最最遥远的距离，来到最接近你的地方”，也许是真的，不过《停车》的结尾是不是太闪眼了呢，我宁愿看到如《最遥远的距离》里的精神医生一样，带着蛙镜、穿着泳衣，呼哧呼哧的走在没有尽头的海岸线上。更多影评 www.130q.com

文/灰狼

剧情

台北。夜太黑。24孝丈夫停车买蛋糕讨不孕妻子欢心，怎料一转眼却发现前路被无良车主挡个正着，回头太难。冤有头债有主，丈夫唯有四处寻访路旁公寓，希望找出元凶。车主未找到，迎来的却是各式光怪陆离小人物：独臂理发师、被大耳窿追斩的裁缝、忆子成狂的盲妇……一夜奇遇，尽现台北都会另类众生相，侧写人情世态社会问题。台湾知名广告及纪录片导演钟孟宏，首拍长片即入围戛纳影展，一鸣惊人。张震桂纶镁饰演郁结小夫妻，魅力放送，One Night Only。

母亲节，陈莫（张震  饰）和妻子（桂纶镁  饰）约好一起吃晚餐，想拉近他们疏远的感情。他在回家途中想买个蛋糕，正好路边有个停车格，陈莫开心的停车，离开去买蛋糕，不料回来之后，发现另一辆车并排停在他的车旁，挡住了他的出路。整个晚上，陈莫在附近公寓楼层间寻找违规停车的人，遇见了一连串的奇人异事，还被流氓盖布袋，打得鼻青脸肿。

搞了一个晚上，陈莫到底有没有办法安然回家呢？

是的，停车位很难找，一旦找到了，可别高兴得太早……

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影评

台北市登记的汽车数量为一百多万辆，但却只有五十万个停车位，这就意味着剩下的几十万车辆不是正在路上驰骋，就是违规停车，而上述窘境正是《停车》的背景设定，从男主角张震的一桩停车事件开始，不知不觉陷入的一场场都市冒险，从认错人的祖孙、装假肢的理发师、被追债的香港裁缝、从大陆被骗来台做鸡的东北妹、缅怀荣景的黑帮老大，到妓院的马仔小弟，一整个晚上荒诞的追逐浮沉，不仅逼迫着男主角迅速经历各式各样光怪陆离的荒谬情境，最重要的，还是让他不得不重新审视自己所面临的情感难题。

与其他类似这种多米诺效应所引起一连串事件发生的影片一样，从某种程度上说，《停车》依旧走的是“xx引发的一场血案”模式，即影片本身更像是一个大的故事，包裹数个小小的情节出轨，但最后这些情节又全部兜回到张震身上。他饰演的角色是平凡的上班族，却在奇异诡秘的台北夜里，碰上了形形色色既写实、又像幻觉般的市井百态。导演钟孟宏将他对台北的观察，对社会小人物的想象，全都放进了这个丰富性十足的故事里，甚至这些小人物中对大陆、香港都有所涵盖，放任观众对于此类人物无限扩大的政治解读和想象。

有网友质疑张震所饰演的陈莫这个角色苍白无力，毫无个性，相反我却觉得影片最成功的地方在于对张震这个角色的设计。其他网友的诟病在于情节的合理性，因为像一个大男人难道想回家就因为车被挡住了而整夜在外瞎逛吗？他回家有那么难吗？在路边拦辆taxi不就把整个晚上不必要的麻烦解决了吗？但影片本身就是一个充满着黑色幽默的荒诞现实喜剧，陈莫的车被挡住只是个冠冕堂皇的借口而已，其实，他自己所面临的种种境况让他不想回家，不太勇于面对最终还是得去面对的那个心结：怎样去挽救结婚四年后逐渐与妻子疏远的困境以及即将因为不孕而濒临崩解的婚姻。

《停车》用一种荒诞戏谑的另类视角，借台北光怪陆离的市井百态，反映了城市居民中最为缺失的归属感。影片中无论是张震的漫漫回家路，还是三楼认错人的老人以为因为缺钱给妻子治病而犯罪最终遭毙的儿子回来，“回家”更多的意味着一种内在的稳定和人情感归属上的圆满，那么杜汶泽所饰演的香港裁缝，曾佩瑜饰演的大陆鸡以及金盆洗手的理发师更多地就如同“汽车”所指一样，不断地移动和漂泊的不安。而那个停车位则正好是两者的中介：暂时得以安泊停靠，却又可能驶向下一个未知的地点。影片把形形色色的角色都置于大都会这样一个樊笼里，在过去与当下、幻想与现实的混沌游离，即便试图迁徙逃离、改变困局，却仍是在这个樊笼中。因此我相信即便影片最后张震开着车，载着那个在台北已经待不下去的香港裁缝和无意中“捡”到的妮妮的结尾虽然看似美满，但实际上这只不过是导演一厢情愿地填补观众心中对于美满的缺憾的一种填补，留之观众浪漫的解释空间，因此个人认为整部影片的结尾实乃导演对于不完美的世界里一次完美的意淫。

这样多米诺效应的作品，比如保罗·托马斯·安德森的《木兰花》、保罗·哈吉斯的《撞车》这样的群戏，最关键的就是导演掌控的稳定性，一旦他无法将各段人物、各段故事的交叉作出恰当又流畅的结合，原本的芸芸众生相，就很有可能变成一段马戏团般混乱的灾难。不过这一点，在《停车》中，初导剧情片的钟孟宏显然是成功的。影片中光怪陆离的市井百态性格各异，在《停车》连番荒诞的情节的发展之下，却能维持着不影响影片主题基调，这一点可见导演的功力。

“两块蛋糕引发的一连串闹剧”的《停车》与其他台湾本土片比起来，在类型上是一次重大的突破。以大陆的视角看台湾现状，各种政治丑闻风波、蓝绿阵营的相互谩骂、各种无聊可笑的低级偶像剧和娱乐节目等等就是一个酝酿黑色幽默的大温床，而《停车》正好切合了这一点，不仅让观众从低俗的偶像剧里走出来，而且还让这群人重新审视生活中的真实面貌。

文/何塞 《停车》：停在光怪陆离的市井百态中

Do Re Mi，小猫爱的发声练习。

小猫一直在问、在追寻，爱是什么？

她的初恋男友阿良告诉她，爱是一直不断地付出。他们纯纯开始的校园爱情始于一台电风扇，阿良总是把电风扇转向小猫，好让弹吉他的她不会热到。他们咬下同一根冰棍，约定阿良将会成为小猫的头号家人。小猫没有一个完整的家，她说，长大以后她想要那个，那个窗户里小小的幸福。他们拥有了一个温馨小家，一起糊墙一起找家具，幸福就是这样。小猫考上了大学，并未如愿的阿良不得不离开去部队当兵，把退伍日期写在墙上，共同期待那个日子的来临，还未离开就已期待再见。阿良让小猫闭上眼睛，转身离去，听到阿良远去的摩托车声，奔去阳台大声喊道，我们会永远在一起的！
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可是那样的日子是磨人的，短讯、信件又怎能替代真真实实的待在彼此身边呢？小猫敌不过寂寞上网援交，她遇到的是阿古。面对小猫的“爱是什么”，阿古用身体来回答，在阿古身上，小猫得到了她一直渴望却没在阿良那里要到的。虽然结束后面对阿古从钱包里掏出的钱感觉难堪，面对自己留下的红色印记感觉惶恐，小猫是的确那样“坏”了。可是他们并不只是萍水相逢，他们应该是相爱了的，在小猫同时也还是爱着、等着阿良的时候，在阿古有着一个漂亮妻子的时候。他们难舍难分，三番四次的缠绵，却在阿古的妻子道出她已怀孕的时候打住了。小猫问，可不可以也给我个小孩？阿古的怯懦让他却步了。

彼时，休假回来的阿良发现了小猫正在援交，或许是为了报复，他和同在部队的阿杰男男恋被小猫看到。面对这所有的一切小猫终于撑不住，选择了自杀。在小猫的病床边，他们泪眼相对。“我们，我们太不小心了，对不对？不小心爱上彼此，不小心爱上别人。我应该是，最能够照顾小猫的人。可是我什么都给不了她。当她决定援交的时候，阻止她的不是我；当她决定自杀的时候，救她的也不是我；当她最痛苦的时候，我……我没有一次在她身边。”可是他们是再也回不去从前了。

阿良真的成为了小猫的家人，在小猫重生之后，小猫、小猫的妹妹、阿良和他的男朋友阿杰同住在那个曾经的小家里，他们都成为了小猫的坚强后盾--家人。小猫已步入30岁，她成了漂亮干练的总监，身边有个虽然有轻微听障不太会讲话但如阳光般照入小猫生命的大男孩sunshine，而这时，阿古又出现了，他们也许是余情未了，也许只是享受那种感觉而已，阿古说，小猫，你真的长大了。可是当小猫还是问那一句“可不可以给我一个小孩”的时候，阿古只是说，你知不知道，这句话可以让一个男人冷掉。在再次拥抱的时候，小猫狠狠地在阿古的胸口咬了一口，她说，也许我不配拥有幸福，但我有能力养小孩。阿古一如当年，虽然深爱可却给不了小猫真正想要的。

小猫是真的有了个小孩，sunshine的一句“我愿意成为小孩的爸爸”让小猫感动，可是在那么单纯的sunshine面前，小猫唯有用一个又一个的谎言来维持自己在他、他父母心目中的完美形象，这样的自己让小猫无法负荷，得到家人们的支持，她决定搬家，搬离这个曾经和阿良一起构筑起来的住了10年的家。小猫说，在搬家的时候，有没有什么东西是你舍不得丢弃但在他人眼中却是垃圾的东西？至少那一刻，她和阿良之间的相互诚实是珍贵的。

sunshine去到那个家已是人去楼空，他说，他们都爱你，我也是。

阿古在餐巾纸上写下一段关于小猫的话，然后眼泪流，转头看，是小孩。

不知不觉，我竟成剧透了，呵呵，也许是刚看完印象深刻吧！这些天一直都在看电影，但没有哪一部是期待很久的，《爱的发声练习》的出现的确让我惊喜了一下，从它开拍时就期待了的，终于看到。是把被子蒙上，戴着耳塞，就着手机屏幕看的，整整一个多钟头，就那样看着，哭着，不夸张的讲，头枕着的枕头那一角真是被泪水湿了蛮多，甚至看完之后重新回过去再看，也会在删除的时候有些不舍得。看完之后没有立即写，我想缓一下。

爱是什么？小猫的追寻何尝不是代表着所有人的疑问？带着这样的疑问，试着爱，学着爱，懂得爱，继续爱......不管最终爱是什么，我们都这样经历着。

可不可以给我一个小孩？这让我想起了另一部对我来说意义重大的电影《恋爱中的宝贝》，同样，对孩子的渴望让宝贝最终选择剖腹，孩子对一个女人的意义是爱的那个人吧！

初时，阿良和小猫的那一段很是喜欢，可是初恋无论曾经多么美疾而终吧，可是阿良同是有点觉得过了。

更喜欢的是阿古和小猫的那一段，《盛夏光年》里的张孝全是模糊的，这里的阿古虽然并不完美，但也许就是这样的不完美却成就了他和小猫的彼此怀念吧！是喜欢张孝全的。

My So-called Love，喜欢这个英文翻译名。

很久之后，我还会记得这部电影的。

文/自言自语

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Mi(小猫与SunShine)：学会离开阿良之后，小猫不再相信爱情。直至有一天，一个自小语言失灵的男士开始对她展开了强烈的爱情攻势。小猫犹豫着，不敢轻易的踏进爱情之中。但是渐渐的，SunShine的阳光、开朗和自信，开始吸引了小猫的注意。一个似火般热烈的灵魂，要怎样才能够将自己的光芒注进一个闭锁门窗的房间里呢。细节似乎成为了小猫寻找爱情的一个标准。SunShine身上的磊落和不由身体缺陷而表达出来的真诚，是不可能被别人拒绝的。小猫犹豫的进入到这份情感之中，之所以犹豫，是因为她不忍心去爱一个如此简单和实在的好男人。她所追求的似乎除了小古身上的刺激，别的都刺不起她去沉浸享受爱情的勇气。她不忍心伤害，也不愿意深陷，宁肯选择离开也不想面对一个自己略显伪心的感情。不告而别的爱情会给对方心里留下一个无法磨灭的伤口，他差在哪里？还是差的是你自己？最后，他说了，他们都爱你，我也是……或许小猫此时的心里认为，也许离开就是爱吧。
 
这部典型女性主义的影片，力图通过电影本身来解释女情觉醒的过程。剧本本身就有着弹性极强的张力，是一个很容易拍出经典的素材。但是这部电影本身的一些毛病，使它处于一个略显尴尬的地位，你说大胆，它其实很保守；你说他保守，它的内涵还挺大胆。题材本身的细腻和大胆有着欧洲电影的特质，东方人表达的拘束和浅白让这种题材的电影渐渐失去了情感的冲击力，看起来显得不温不火。本子搁一般的欧洲艺术片导演，90%会拍成一个略带伤感又深刻探索的爱情小品。坦白地说，其实这部电影可以拍得在大胆些，本身电影打得那些描写精神和情欲的探索内容，都是如蜻蜓点水一般的一闪即逝，形势过剩，深刻不足。
 
再说表演方面，本片演员的表演不算作闪亮十足，也可以说是不过不失。徐熙媛演偶像剧的那些元素和技巧在这部电影中似乎又高了一个层次，但是对于一个有着如此复杂背景的角色，还是显得略有稚嫩。但对于之前的偶像剧演技来说，算是更上了一层小楼。彭于晏和张孝全各有千秋，彭的角色本身的特质就没有脱离之前的表演风格，张孝全则是在之前的表演功力之内正常发挥。演员的中规中矩，没有完全打开这部电影要表达出来内涵更大的门。
 
导演以前有过拍摄MV的经验，部分镜头看起来唯美至极，拍出了些许欧洲片的气息。如果影片的节奏把握得更筋道一点的话，电影也许会更好看吧？电影音乐由范晓萱创作，值得称道一下。本片作为导演处女作、作为徐熙媛的转型作品，也可以算作范晓萱的电影音乐探索作品。音乐表达似乎要比电影本身更有意味，范晓萱这次表现得算是不错的。
 
也许是拍摄之前的炒作原因，让很多人对这部电影有着不同意以上的期待。但是电影略显平庸的表达方式，着实会让一些人失望，但是也许也会有很多人喜欢吧，电影这东西，见仁见智，喜欢不喜欢其实都无所谓。
 
以这篇文章重新开始我的电影文字之旅，09年，电影的花朵会更美丽的开放在我的心里、眼里和手里吧~~Nice Too Meet You~~

文/藤井谦

《海角七号》以前，台湾多的是文艺小众电影，不缺乏有号召力的本土明星，但在票房上却总是差了口气，因此无论《海角七号》的成功是否是偶然都不重要，重要的是大家再一次肯定了票房对一部电影的重要性。《爱的发声练习》是一部游走在艺术和商业间的文艺电影，最终近千万台币的票房虽然不能证明她有多么成功，但至少也没有丢失了自己的脸面，虽然只在08年度台湾国片中排行第六，但因为电影本身的实验性和题材限制，以及更为客观的放映厅数的限制，能做到与钮承泽的《情非得已》打成平手，已经实属不易，请不要忘记，《爱》的导演只是初出茅庐的新导演李鼎。《爱》中几乎囊括了台湾最具有文艺气息的一干偶像演员，大S徐熙媛、彭于晏、张孝全，这几个常在偶像剧中闪光的名字作为电影的主要卡司一字排开，还是相当吸引人的，《爱》的千万台币票房几乎一大半是由挑大梁的明星扛起来的，尤其是大S徐熙媛，为了宣传该片甚至放弃了在章子怡新片《非常完美》中演出的机会，借助妹妹小S徐熙娣《康熙来了》节目的影响力，在电视机前足足宣传了《爱》片将近一个月，电影公司也深谙炒作之道，从开拍伊始就不断以各种各样的状况来博版面，包括强调电影的度、大S洗澡被养父偷窥的底片失窃、大S与彭于晏的绯闻等等，无一不是为了催化电影自身的票房，否则这样一部略带矫情的文艺电影又有谁会去关注呢？真可谓用心良苦。

《爱》片上映前最铺垫盖地的宣传无非就是围绕着大S徐熙媛与张孝全、彭于晏的几场激情戏，据说还拍了意识很大胆的厕所性交戏，剧照都放出来了，但最后戏里还是删掉了这几个镜头，这是非常高明的宣传策略，大S的敬业由此可见一般，明显是被电影公司给利用了，还兢兢业业地为《爱》片宣传，要知道气质一向清新健康的大S此番转型演熟女，完全是冲着剧本对女性心理的深刻刻画，小猫爱阿良，但阿良对她更像家人，小古给了她完美的性，但小猫却接受不了与小古的婚外恋，从18岁演到30多岁，年龄跨度大，难度高，看得出大S接这部戏的目的就在于想挑战自己的演技。

电影的开头就给整部片子定下了暧昧的基调，作为李鼎的处女作，看得出他对电影还是很有诚意的，像开头徐熙媛饰演的小猫与自己的童年面对面赛跑引出开头，玫红的色调充分渲染了电影的氛围。小猫是个家庭不幸的高三女孩，在她的成长中没有自己亲生父母的位置，直到偶尔有一天，她再婚的妈妈又嫁给了一个男人，才再度回来想要给她一个家，不幸的是自以为幸福的生活还没有开始几天就遭到了瓦解，小猫的继父不但偷窥小猫的妹妹洗澡，也偷窥小猫洗澡，历来性格坚韧的小猫不堪妹妹那样忍气吞声的生活，选择离家出走。同学周晏良（彭于晏饰演）也是个家庭不幸的孩子，自小父母就离婚，他对小猫说他没有家，也许是同病相怜，也许是情窦初开，两个18岁的孩子决定私奔过自己的生活，当阿良将自己的吉他送给小猫的时候，也就是小猫真正走进他生命的时候。同居的日子是快乐的，尽管清贫，小猫选择在超市给人扫地，但她仍然笑得很开心，因为她知道，有一个叫阿良的男孩子在他们的家里等她。李鼎用来回的切换传达青春期初恋的懵懂和暧昧，连小猫咬阿良递过来的冰棍都显得无比的暧昧，青春得肆无忌惮。好景不长，一纸大学录取通知书似乎突然间改变了两人的生活轨迹，小猫考上了大学，而阿良没有，于是阿良选择了入伍当兵。李鼎对于阿良与小猫的感情铺垫不够，导致看到这里有人会怀疑起阿良对小猫的动机，他并不是出于对爱情或者说性的好奇而与小猫私奔，似乎只是出于一种扶持弱者的侠客心理，入伍后他对学弟陈世杰的过度照顾似乎也彰显了这一点。这里李鼎用来回切换的方式来讲述小猫和阿良分开后两人的生活，过于寂寞的小猫面临经济危机，她选择在网路上派遣自己的寂寞，她打电话时会对着空气调情，吃饭的时候刻意乘两碗面，童年的创伤使她成为一个敏感、不甘寂寞，渐渐被欲望主宰的女人，这时候她遇上了花钱买春的男子小古（张孝全饰演）。

小猫和小古的第一次交谈始于网络，真正见面的地点，在小古的车子里，小古与还没出过社会的阿良不同，他放浪、潇洒，显得有些坏并且丝毫不掩饰自己对性的欲望，小猫问他什么是爱，梵高为了爱可以割下自己的耳朵，这是不是爱？而他给了小猫关于爱的答案，爱就是爱没有答案。当晚两人就发生了关系，在她和阿良的家，小猫将自己的身体交给了素未谋面的小古，红色床幔传递出欲望的气息，似乎也传达了小猫的心声，她孤独。发生关系后，小猫没有收下小古给她的钱，抚摸着床上自己第一次后遗留下来的痕迹，小猫诧异于身体交欢后对自己爱情观的巨大改变，原来爱并不只是两个人生活在一起，爱更是欲望。从军中休假回来的阿良从小猫的电脑里寻找到了小猫上网援交的蛛丝马迹，小猫告诉他没有资格来质问自己，因为她并不是他的老婆，也许小猫一直都在渴望将身体交给阿良，完成爱最重要的一个步骤，但阿良并没有付诸行动，小猫上网援交并不是因为缺钱，也是因为她潜意识里想要向阿良挑衅，试探他在不在乎自己。阿良走后，小猫再次找到了小古，导演用镜子中小古的身影表达在小猫心中自己第一个男人给她留下的永不可磨灭的记忆。小古带给小猫太多的新鲜事物，性、用奇异果来泡可乐等新的生活方式，而最重要的是给了她自己的体温，小猫抚摸着小古赤裸的胸口，仿佛触摸到了他的心，但在她的心却不知道自己究竟是爱阿良还是爱小古，这时候小古告诉她自己有老婆。与此同时，阿良在军中选择借酒消愁，陈世杰却主动吻了他，阿良将陈世杰带回他和小猫的家，故意在她面前与陈世杰亲热，小猫突然觉得她一下子失去了2个自己最在乎的男人。

小古与他太太感情破裂，小猫却接受不了这样一段婚外情。剧情进行到这里略显矫情，小猫对感情游移的态度令观众无法彻底入戏，但不得不佩服导演的别具用心，特别是体现在道具和美工上的部分，小猫厕所门上贴的印花、玫红色的窗幔、贴在镜子上她与阿良懵懂快乐的大头贴，无一不折射了这是个渴望爱，但又不知道如何能够获得爱的迷失女人，心理抗拒婚外恋但又抵抗不了欲求不断与小古约会，直到小古告诉她一切都只是一场梦，我要去哪里，我要去柏拉图的爱里，我要去哪里，我要去莎士比亚的剧里，我要去哪里，我要去爱因斯坦的脑里，我要环绕太阳系的九大行星……范晓萱深沉的吟唱似乎折射了小猫的心理状态，用歌曲来表达主人公的心理不是新招，但用在这里，却平白多了种含蓄暧昧的感觉，得不到爱的小猫换上了晚礼服想在求死，她躺在深夜的马路上，但直到天亮她也没有死掉，她起身拍掉了身上的尘土，离开。小猫又开始在网上征援交男，来的却是小古，他告诉小猫，不要继续错下去，但是他也娶不了她，他给了她一张信用卡。小猫将小古给她的戒指丢弃，选择吞服安眠药自杀，镜头拍到小猫家的一副画，画着猫和太阳，猫离开了太阳就没法活，小猫离开了小古，也失去了活着的勇气。急救后，小猫脱离了生命危险，痛苦的阿良来看她，两人和好。时间过的很快，小猫从大学毕业了，进了大公司做管理，小猫的妹妹也开朗了许多，和陈世杰关系很好，一伙人打打闹闹似乎过的很开心，但是在小猫的内心，似乎还是缺少了什么，也许是缺少了爱。

在公司的跨年派对上，小猫认识了有听觉障碍的Sunsine（东明相饰演），他跟阿良、小古都不同，虽然身体上有残疾，但是心理却没有丝毫的阴暗，但此时的小猫却已经不相信什么爱情了。Sunsine爱上了小猫，想要和小猫在一起，小猫却告诉他爱情没有那么简单，但究竟什么是爱，过了那么多年，小猫自己也不是很明白，小古又找到了小猫，巨型风车作为重要的场景再次出现，小猫和阿良情窦初开的时候，和Sunsine，又和小古，仿佛风车是小猫爱情道路的见证。在斑驳的瞭望台里，小猫和小古激情难抑，斑驳的墙面似乎也象征了小猫伤痕累累的内心，在她的心里到底谁最重要，阿良？小古？还是Sunsine？小猫对爱情的态度是游移的，但她却非常想要一个爱的结晶，也就是小孩。小猫到Sunsine家里做客，善良开朗阳光的Sunsine令内心伤痕累累的小猫自惭形秽，小猫决定搬离和阿良的家，躲避Sunsine的追求。阿良决定陪在小猫的身边，他说他们是一家人，我想要那些格子里小小的幸福，小猫指着对岸的民居对阿良说，我希望我是你第一号的家人，阿良回答。我一直在想，什么是爱，可能爱真的像你所说的没有答案，但再一次次的受伤后仍然支撑彼此的也许就是爱吧，小猫留给小古一封短信，看完后他哭了，因为他知道，小猫真正离开他了。3个月后，Sunsine给小猫发了条只有8个字的短信：他们都爱你，我也是。

文/蜗牛疾风步