引言：游戏IP的银幕跃迁

　　当全球销量突破3亿份的《我的世界》从像素方块跃入IMAX银幕，这场跨越十年的文化迁徙注定成为影游联动史上的标志性事件。由贾森·莫莫亚、杰克·布莱克领衔主演的这部奇幻冒险片，其首周1.55亿美元的票房成绩印证了游戏IP的强大号召力，但专业影评人仅63%的烂番茄新鲜度，也暴露出改编作品难以规避的叙事困境。

　　视觉奇观：像素美学的电影化重生

　　影片最令人惊艳的莫过于对游戏美学的精准还原。导演运用动态捕捉技术将方块世界的物理特性转化为电影语言：当主角们用钻石剑劈开苦力怕的瞬间，爆炸方块以0.5秒的延迟飞散，这种刻意保留的"游戏感"处理，让玩家会心一笑。Nether维度中流淌的岩浆采用流体粒子模拟技术，每帧包含超过200万个独立运算的粒子，在保持像素质感的同时营造出震撼的视觉奇观。

　　叙事困境：开放世界与线性结构的矛盾

　　作为沙盒游戏改编作品，影片在叙事架构上遭遇双重挑战。游戏赋予玩家"创造即自由"的核心体验，而电影必须遵循传统三幕剧结构。为此，编剧团队设计了"寻找末影之眼"的主线任务，但这种强叙事导向与游戏本体精神存在微妙冲突。当主角团在沙漠神殿解谜时，镜头刻意展示的TNT陷阱机关，更像是为游戏玩家设计的彩蛋，而非推动剧情发展的必要元素。

　　角色塑造：明星阵容与模板化角色

　　杰克·布莱克饰演的史蒂夫以夸张肢体语言和即兴台词贡献了全片80%的笑点，其标志性的"Notch式"幽默成功复刻了游戏角色的精髓。但其他角色则陷入类型化窠臼：贾森·莫莫亚的战士形象缺乏成长弧光，艾玛·迈尔斯饰演的学者角色沦为工具人，这种角色配置暴露出改编作品对游戏多人协作体验的简化处理。

　　文化隐喻：数字原住民的集体记忆

　　影片在娱乐性之外，巧妙植入了对数字文明的思考。当主角团用红石电路建造自动农场时，镜头特写中闪烁的二进制代码，暗喻着现代人对技术依赖的双重性。这种将游戏机制升华为文化隐喻的处理，使影片超越了单纯的宣传片属性，成为观察Z世代思维方式的窗口。

　　结语：瑕不掩瑜的IP改编典范

　　尽管存在叙事节奏失衡、角色深度不足等问题，《我的世界大电影》仍以89%的观众满意度证明了其作为游戏改编作品的标杆地位。当片尾字幕滚动时，影院里此起彼伏的"Herobrine"惊呼声，或许正是对这个跨越十年的文化现象最好的注脚。对于非玩家观众而言，这可能只是一部合格的奇幻冒险片;但对于全球2.3亿月活用户来说，这场银幕之旅终究是一场关于集体记忆的仪式。

电影《神奇海盗团》影评：插科打诨，大笑一场

为什么大反派是维多利亚女王？
　　为什么达尔文对女王心存雄奇浪漫的宫廷爱？
　　为什么达尔文的性格是处心积虑胆小怕事？
　　为什么渡渡鸟这么可爱还能站在肩膀上？
　　为什么……
　　为什么……
　　
　　这就是这部电影的搞笑风格，让你在心里说：“什么玩意儿啊，这你都想得出来？”
　　没有教育意义，没有悬疑故事，没有启迪，没有黑色讽刺，没有典故引用，没有你必须受一些教育、或受过一些流行文化熏陶才能理解的内容。
　　每隔3分钟就有一个亮点，让你笑一场。就像海盗生活一样。
　　
　　不过很好笑。
　　
　　“你知道我为什么最讨厌海盗吗？——因为太过时了！”女王说。
　　整部电影有种淡淡的怀旧的感觉，个人印象。
　　首先是这个过时的题材，相信你看到预告片时也会想：“都哪一年了，怎么还有新的海盗电影啊？”
　　然后是这古典的橡皮泥表现方式……虽然，人物表情非常生动，和《小鸡快跑》时代不可同日而语，电脑做的场景也很有表现力，这的确是立体电影不是电视动画。可是……画面震撼度上，真不能和3D动画比啊。
　　再来，全片沉浸在70年代风格的庞克摇滚中，那久远的叛逆精神扑面而来。
　　
　　不过，电影很好笑。
　　不知道黏土人身上有没有电脑技术的成分，人物动作表情真的很出色，超越了黏土人动画给人的一般印象。
　　
　　剧情：
　　海盗船长立下洪志，要当选“年度海盗”拿小金人。此人的海盗业务能力很过关，也有一帮很好的同伴，一帮人在海上征服伟大的航路很开心。可是他运气不太好，总是打劫不上商船，捞不到什么油水。
　　此时，他打劫到达尔文。达尔文发现，海盗船上的吉祥物原来不是肥鹦鹉，是已经绝种的渡渡鸟。
　　达尔文想带渡渡鸟回家，讨女王欢心。作为一个屌丝型科学家，他怎么能不做这么脑缺的事？船长以为有钱拿，就伴随着《London Calling》强烈的警示音乐，以“地图旅行”这种节省制作费的方式来到伦敦。
　　（没有任何理由就憎恨海盗的）女王想要渡渡鸟，船长把鸟卖了。连他的好基友都不能原谅这种行为，与他切割。因为与海军妥协，他也没当成年度海盗。
　　然后达尔文发现他被女王蜂蛰了，那女人要吃掉渡渡鸟，一伙人就去救出小鸟，英雄归来。

《魔镜魔镜》只能从细节来说一说。首先画面做得很好看。当然这些年电影看下来，完全新鲜的画面是很难遇见了，不过整个电影的视觉风格还是很赏心悦目的。刻意华丽，刻意浓厚。服装过分厚重华美，一看就不是人穿的，是童话里的人穿的，明显拉开观众与人物的距离。应该是制作者追求的效果。这种效果也包括一看就知道是搭建的夸张的场景。整个比舞台剧还要舞台剧的感觉。化妆也以此类推。

大嘴姐姐其实非常适合恶皇后这个角色。她眼下的气场或气质就是如此。这个皇后很鲜活有戏。于是这版的恶皇后就是一个半老徐娘，试图抓住青春的最后一丝影子。从恐怖的皮肤护理到拼命束腰到花痴笨王子，都体现了这一点。她一旦不装（装的例子请参看《饭岛爱》一片），还是很可爱的，以她的年纪，也算很美。所以虽然本片票房栽了，大嘴阿姨的星途堪虞，我反倒喜欢她了。

她身边的那个弄臣也演得很好，查了一下Nathan Lane，原来是个舞台剧音乐剧演员，得过两次东尼奖(Tony Award)。本片大概也集中了市面上最好的一批侏儒演员。

王子和公主就没什么好说的，都很嫩。一直觉得王子眼熟，回来查了才知道他在《社交网络》里演富有的双胞胎。他和另一个演员演双胞胎，后期时导演觉得他比较帅，就把另一个的脸给后期掉了换上他的。真的很好看，可惜不是我的那杯茶。公主是Phil Collins的女儿。我很喜欢她老爸的歌，这么美的女儿亏他生得出来。美则美矣，灵动不足。不过白雪公主好像本来就呆呆的。仿佛是同意我的观点，片中只有王子和公主的牙齿“叮”的一声发出闪光。

有两个属于我自己的槽点。一是王子和仆人在林中边骑马边斗嘴那段，我不可避免地穿越到梅林去了，正好这个王子也是相当二。另外一处则是最后怪物显出原形，竟是大菠萝Sean Bean，寡人龙心大悦，但接着就满怀同情地看他感情饱满地说着陈腔滥调，统共也没几句。最后大家载歌载舞，连Sean的专业精神都无法掩盖他的无奈：我为什么要出现在这部戏里？难道就因为我看起来像个悲剧国王？唯一的安慰是，这次他没有死。

成年人必须抱着绝对娱乐的心态看这片，不然不要看。小朋友会喜欢的，花生米就对它评价很高，说是个很好的spoof。所以我真的很难说本片好还是不好。

影片是幽默的：无论是因为失压搞到春光外泄的女主角，还是新任元首高跟鞋穿脑的古怪死法，无论是朝鲜外事官宣称对事件负责所招致的哄堂大笑，还是美国女总统谴责各国不守信义的雷人发言，都让整个观影过程始终充满了一种欢乐的氛围。

同时，影片对于政治的讽刺也是深刻的：

月球上的第三帝国是个专制社会：对人民进行洗脑式教育，喇叭里一响起军歌就必须放下一切事务立正敬礼，连《大独裁者》都被剪成十几分钟的短片当做是世界人民赞美第三帝国的宣传影片，甚至连婚配和生育都要经过DNA鉴定以保证后代血统的纯正。但是，这样一个社会的元首，却是一个只知道维护自己权威的人，他对下属“海尔希特勒”的敬礼极度反感，甚至早就丧失了重新夺取世界的野心，一切手段只是为了更有效地控制人民而已。

自诩民主自由的美国也好不到哪去：由臭名昭著的“元首训话”改编的总统竞选演讲稿；听闻外敌入侵不惊反喜感慨终于保住地位的政治家；毫不犹疑向挤满妇孺的敌方堡垒发射飞弹的军事长官；自己率先违反国际公约却对别国大加指责的丑恶嘴脸。影片给美国的这一记耳光掴的不可谓不狠。

国际政治更是一塌糊涂：入侵外敌身份不明时，各国先是互相怀疑互相推诿； 敌人身份明确了各国又先保存实力，把美国推上去当炮灰；等齐心合力战胜外敌之后，大家又马上翻脸，互相大打出手，争夺战果。影片的结尾很美也很凄凉：一颗残破的灰色月亮下面，蔚蓝的地球上却导弹横飞，到处都是核爆的闪光。

最后说说第三帝国。一提到第三帝国，好多艺术作品都自觉不自觉地将其妖魔化：《我曾侍候过英国国王》中的人种研究所；《美少女特工队》中蒸汽驱动的尸体士兵；《美国队长》中发展超现实科技的盖世太保；漫画《孔雀王退魔传》中搜寻“圣杯”、“圣枪”妄图利用神力统治世界的纳粹军官……例子实在是不胜枚举。究其原因，一方面也许是因为第三帝国带给人类的苦难确实太过深重，一方面也许是因为二战中纳粹德国展示的超群的科技实力，但个人认为，更重要的也许是源于人们对于专制制度死灰复燃的恐惧。

《浪潮》中的老师和学生们建立一个微型的专制社会仅仅用了五天，更可怕的是这部电影居然是真实事件改编的。是人就渴望群体，有群体就会有阶层，有阶层就会有尊卑，有尊卑就会有服从，服从成了社会习惯就催生了专制，就是这么简单。专制，其实离我们并不遥远。

出于这种恐惧，从各种角度妖魔化第三帝国也就成了一种必然。

PS：影片的设置很有意思。月球上的第三帝国科技十分先进，能轻易往来地月之间、能在基地内部生产人工重力、能直接把氦3作为能量和武器使用，但是这种先进是体现在机械力量而不是计算能力上的，以至于他们最具威力的武器居然要靠地球宇航员带去的手机作为中央处理器才能发挥作用，这跟大刘的《球形闪电》一样，反应了进入信息社会的人类文明的脆弱——一旦电脑当机，我们的文明可能瞬间就会倒退上百年。

　　去年3月从Deauville返屋企，先坐的火车到巴黎，Montparnasse车站好像也没给我留下什么深刻的印象，月台、穹顶、电子显示器上不断变幻的车次和时间，至少从内部看起来跟其他欧洲城市的中央车站没什么不同。未做停留便匆匆离开，没想到竟错过了一段电影传奇。正是在这个车站里（当然是搭的景），马丁·斯科塞斯通过一个孩子的探险旅程为观众们表演了一个神奇的电影魔术。 　　
　　《雨果》是一个3D儿童片，改编自Brian Selznick的小说《造梦的雨果》（The Invention of Hugo Cabret），表达的却是一份标准的影迷情怀。大概是因为除了导演和主创人员，就连小说的原作者自己也有着引人注目的“电影身份”——表兄David O.Selznick是《乱世佳人》的制片人。而老马丁在尽量保持原著内容的基础上也加入了自己独特的电影风格，让2004年与他合作过《飞行家》的编剧John Logan塑造了一个孤独、忧郁却机灵无比的孤儿形象。所谓马丁的风格，体现在当你第一次看见小雨果的时候，他正躲在火车站内巨大的挂钟背后，透过“4”字中的镂空，凝视着车站内上演的一幕幕“人间喜剧”：卖花的小贩、溜达思科猎狗的女人以及她的求婚者，残疾的车站保安和他能辨别流浪儿的杜宾犬……都很像巴尔扎克笔下的小人物。这些既是雨果的视角，也是导演及观众的观点。就在这个初始的场景里，很多故事像齿轮一样飞快地旋转，等待着被电影诉说……然后我们看到小主人公穿过车站内部复杂的机械结构，来到另一面钟的背后——在那里，他可以窥视玩具店和它的老板。那是一个漂亮的让人想起《好家伙》里Busby Berkeley和Henry Hill进入酒吧那场戏的长镜头。包括后来摄影机一直跟随着被保安和他的杜宾犬追逐的雨果，飞奔过火车站的大厅、楼梯、陡坡、人群、甚至小贩的胯下。这些都是典型的儿童电影里的追逐场面，笑闹的背后，展示的却是一个《摩登时代》般的充满现代性的巴黎（齿轮、时钟、火车，现代性的重要意向）。老马丁忙碌的铺开雨果透过火车站高处窗格所看到的世界，而这种手法在他的电影《Kundun的一生》（豆瓣敏感词）里同样用过——年轻的Kundun望着外面与他隔绝的城市，是同样一种令人忧虑的孤独感觉。 　　
　　这本是一个孩子在跟我们分享他们发现的故事，但渐渐的，观众很快发现自己随雨果一起从一个发现者变成一个参与者。管理着火车站里所有“时间”的小雨果尝试着修理好一个已逝父亲从博物馆带回的机器人，因为他认为父亲在这个机器人中留下了信息。他从玩具店的老板那里偷来了一些零件，但最关键的是，他还需要一把可以插入心型锁孔的钥匙。而这把钥匙的主人就属于玩具店主的教女Isabelle。理所应当的，两个可爱的孩子打开一个神奇之门，在这门的背后，观众惊奇的发现，坏脾气的玩具店主、有白胡子和阴郁警惕眼神的老头居然是乔治·梅里埃。这个名字对小雨果和当代观众来说可能没有什么意义，但对于影迷来说，如果你不知道它的含义，你都不好意思说自己是一个影迷。 　
　　作为电影的先驱者，1895年12月28日，梅里埃在巴黎看了第一部公开放映的电影之后便沉迷其中。当卢米埃尔兄弟专注于非情节的纪实电影（他们称之为 actualités）时，梅里埃却通过移动摄影、迭印法、遮盖法和多次曝光等手法，奇迹般的制作了一部科幻电影《月球旅行记》。即便现在回看起来，这部不到12分钟长度的科幻片依然让人惊叹，主人公驾着火箭飞进“月球之眼”，在经历过一番与月球人大战的冒险之后，回到地球。可惜后来一战的爆发让他一贫如洗，一手创立的电影studio随之倒闭。一生所拍摄的500部电影被迫卖给了一家化学品公司，那些胶片被溶解后制成高跟鞋的鞋跟。用卖电影的钱，梅里爱在Montparnasse火车站开了一间玩具店，从此退出了电影史的舞台，也不愿再回想当年。因此，也就不难理解电影里梅里埃的那句台词：My lift has taught me happy endings only happen in the movies. 　　
　　但The story has not over yet。电影梦再过一百年也不可能做完。而那些伟大的旧梦，无论什么时代重现在观众面前的时候，都能让人激动不已。 　　
　　其实我想，这样一个儿童片本来是无需花大成本（1.7亿美元）拍成3D的，但老马丁却愿意冒这样的风险来向伟人致敬。他试图用立体的影像让观众重回梅里埃的“造梦”实境里，亲身体验世界上第一座摄影棚的魔力和拍摄《月球旅行记》的过程。我印象里马丁·斯科塞斯好像没在自己的电影里客串过什么角色，但这次却客串出演了一位摄影师。好莱坞最近大刮怀旧风，《艺术家》、《与梦露的一周》和《雨果》纷纷入围奥斯卡，大约是身处3D技术大发展的变革时代，参与变革者设身处地，总会对历史上筚路蓝缕的拓荒者产生共鸣，恰如那个被人反复提及的例证——《雨中曲》。

　　纽约电影节的“惊喜片”的出现证明了此电影节也并不完全是“炒冷饭”的，而只有当进场完毕整个大厅都暗下来以后才知道准备要看的片，这种经历无疑是十分刺激的。事先已和小米估计了几部极有可能的惊喜片，所以当进场后见到人手一副3D眼镜时便大概猜到是哪部片了。果然，大厅暗下来后，马丁斯科塞斯登场作简单说明了。他说这片还是”work in progress”，特效还没弄好，有些地方还能看到绿屏，音乐也没有完成，等等，然后就下场了。
 　　所以以下仅仅是针对这个抢先版本的评论。影片开始于一个鸟瞰三十年代巴黎的大全景，然后迅速下降到城中火车站外景，最后从外景进入火车站内景；外景的特效还没完成，走到内景时变成真人场景，最终成片时估计这看上去是一个镜头。之后的特效完成度也算是比较高了，只是个别背景看上去比较假甚至是绿幕，一些细节像某些镜头内机器人的金属质感还没弄出来。音乐和剪辑也没有完全搭配得上，故某些镜头连接和转场显得不甚连贯。成片里”Hugo”标题的出现估计也不会像这个版本这样寒酸。
 　　3D算是本片的一大亮点。斯科塞斯首次触电3D很成功，层次感明显但又真正让人看得很舒服，完全是对画面本身的服务和促进而没有喧宾夺主，货真价实。同时在构图上，斯科塞斯也尽量让画面表现层次感来迎合3D带来的冲击，多次在前后景布置烟雾、雪花和齿轮等小物件，当然，还有火车站的人群。这种拓展画面纵深感的方法简单有效，和3D技术进行有效互补。这才是真正的拥抱3D技术，而不是把它独立开来成为一个噱头。
 　　其他视觉方面，斯科塞斯无疑是延续了一贯水准。镜头运动之漂亮不用多说，尤其是在那些隐秘通道，狭窄的场景反而能让摄影玩出更多的花招。布景是另一大亮点，影片的主要场景——三十年代的巴黎火车站——被精致地还原出来。钟楼和秘密通道的场景也同样丰富细腻，布置了眼花缭乱的齿轮和从旁边管道喷出来的烟雾。此片对于机械爱好者来说不可错过，火车站的钟，玩具老鼠，还有神秘机器人，内里复杂的齿轮装置都被精细地展现（反复出现的钟（时间），也成了与影片主题相呼应的意象）。还原时代以及捕捉细节正是斯科塞斯一贯痴迷的，不惜在此花上大量镜头。
 　　从宣传和网站剧情简介来看，此片的宣传应该是定位在儿童片。但在片看来，儿童题材只是一个引子，在预告片和简介里并没有明确说出藏在机器人里的秘密。虽说有小说在前，但我相信绝大多数即将观看此片的观众对隐藏剧情还是一无所知的，故在此开始只能作些拐弯抹角的评论了，担心被剧透的人可以考虑打住。
 　　影片开始是很常见的“孤独少年结伴探寻秘密”的模式。雨果是一个给车站里所有的钟上发条和润滑的孤儿，每天就是从这个钟蹿到另一个钟（开始有个漂亮的长镜头展示了这一过程），父亲早亡，留下一个带有谜团的机器人，上面有一个心形钥匙孔。车站里的警察则是一个很有儿童想象色彩的角色：专门抓流浪在车站里的孤儿；他的狗还能辨别出孤儿来。他的朋友伊莎贝喜欢读书冒险，但却有一个脾气古怪的在火车站开玩具店的教父，从未带过伊莎贝去看电影。于是随着探险的发展，机器人谜团和伊莎贝教父之间的联系也慢慢浮出水面，并在电影大约一半的时候揭晓了秘密。
 　　看完以后终于知道斯科塞斯为何要选这么一部儿童视角的电影了，因为这是一个关于电影的美妙而具有历史意义的秘密（当然，这个在今天已经不算秘密了）。没错，儿童片只是一个引子，尔后引出的是一个关于电影奇妙性的，传记片（如果熟悉电影史的人看到我上面的描述，很有可能会猜出这个谜底）。通过儿童视角对电影进行新奇而兴奋的探索，无疑是展现电影魅力的一个很好的方法，所以斯科塞斯这回的返老还童，表面看上去好像是一个崭新的尝试，但其实也是绝对情理之中的：他本身就致力于发掘和修复被遗忘的影像，这样一部片子是彻底地表达了他作为一名影迷和电影学者所拥有的纯真的热情，以及对早期电影先驱们的致敬。这部片子的出现，对于他的电影生涯来说，其实才是最不出人意料的。片子看上去就像是一堂感性的早期电影史课，使我仿佛回到了上学期我无比喜欢的无声电影史课，所以此片于我是无条件接受和喜爱的。同样是影迷，我们对电影的热爱都像片中的少年那般纯真。
 　　于是，此片定位在儿童片，也就有它的道理了。除了让大人重新了解电影的魅力外，对于初涉影像的小孩子而言，此片可能会是一次十分重要的启蒙。但我也对它的前景有点担心。此片的剧情推进延续了斯科塞斯一贯散漫的特点。若说关于裘德洛饰演的父亲的闪回段落因揭示重要信息而可以接受的话（裘德洛其实是酱油角色……），那么老胖子的爱情和警察的爱情这两条支线，仅作搞笑放松的效果，对主线的影响微乎其微到可以独立出来的地步，硬剪在主角紧张的行动中间无疑极大地破坏了叙事节奏。当然一方面，这个不是最终版本，剪辑上还会有所改动，但另一方面看来，斯科塞斯显然不是拍儿童片的好手，这种插诨打科的处理便稍显笨拙。关于电影史的部分，考虑到这是部感性入手的片子，就不指出其中的不严谨之处了。
 　　看毕，两位小演员出来露了一下面就匆匆离去了，斯科塞斯在放映后也没有再出现。不过所幸的是，影片里我们能看到他小露一面，饰演一名摄影师。 来自: 怪盗巴金斯

《黑衣人》系列可能属于内种拖拖拉拉让人着急的系列电影，从横空出世票房口碑双赢影响全球时尚潮流跟阴谋论话题的诞生于1997年的第一集，再到踉踉跄跄二换编剧输了口碑遭人诟病票房小胜的第二集，直到今日的三部曲尾声，这一路的拍摄周期似乎有越拉越长成倍数递增的趋势。然而十几年的等待却是地地道道的情结养成，一路从后VHS录影带时代迎来VCD大爆发的迷影小子们，从没在大银幕上得以享受过黑超特警组为人们的带来的诸多乐子，以至于那些B级片范儿的外星怪形跟谐趣十足的动作场面只能一遍遍的在电脑跟高清电视中温习，哪个科幻宅不能随口说出关于黑超的段子，神马WORMGUY的插科打诨，各种武器道具载具的性能优势，客串嘉宾的名单都是乐此不疲的地道谈资。不过现在我们可以告别温故流传的苦逼等待，在拯救世界与穿越得瑟之间尽情的乐呵下去。
　　在赶上一个好年代的方面，《黑3》也许比前两集都要幸运。一来这个品牌已经有了地球人都知道的认知度，一老一少一黑一白的经典搭档也曾经是风靡全球的时尚文化ICON；二来傍上3D跟IMAX大普及，影片虽然也是由后期转制3D，但是在处理景深跟层次感上却效果不错，一些专门为3D视效所打造的段落基本都得到了绝佳的展示，而像高空坠楼的穿越戏这些也十分适合IMAX观看；三来拜服于近几年天朝各大字幕组的神译，中影此次制作的字幕也极为应景：地沟油，瘦肉精，唐宋诗词，“你丫穿越剧看多了吧”等这些与时下社会热点，网络文化十分贴合的翻译均一一跃上银幕，既不会让观影者觉得突兀生硬也做到了跟剧情以及角色的无缝对接。除此之外，本片更是搭上了近年来滥大街的穿越题材，虽然这并非多么新鲜的设定，但早在第二集上映的02年就由史密斯最先提出，只不过等到影片出炉上映，却也是十年后的事情了。跟第二集寻找K探员出山重归黑超局类似，本片还是以K探员的“消失”为线索推进，其最大的看点就在于穿越的年代-1969。至于这个年代在整个人类历史中有多么重要与别样，那你光是看看这些关键词也许就能窥见一斑：嬉皮，摇滚乐，波普艺术，安迪沃霍尔，阿波罗11号，文化爆炸等等。影片最大限度的还原了这一特殊时代，无论是服装建筑还是文化风潮，都被尽情的展示出来，并紧扣剧情需要融入到每一个环节中。像进入安迪沃霍尔派对的口令-JANIS JOPLIN（传奇嬉皮摇滚女歌星），前者的真实身份跟创作灵感，“地下丝绒”的背景音乐，对种族歧视的戏谑等。
　　说到搭档出演，其实本片中真正的对手戏是威尔史密斯同乔什布洛林。前者继续着嬉闹犯贱的嘴风，而后者则如老汤米附体，举手投足间都是活脱脱的K探员翻版。同上集糟糕的剧本相比，本集的故事则更为丰满多样，前后照应，线索多样。同时作为影片经久不衰的看点，外星人的造型跟种类再度升级，几乎令人应接不暇；而由于影片的主要场景都设定在1969年，所以黑超局那些先进装备也带上了那个年代所特有的特色-失忆棒，脉冲太空枪，飞行包，以及独创的环形高速摩托也都被赋予了怀古味道的未来主义色彩。全片的高潮基本分布在开场的监狱脱逃，穿越跳楼，鲍里斯追逐战以及最终的发射场对决。影片秉持了以往节奏快，入戏快，打斗快的高效率中，但同时却又使得很多线索的延展度不够，丧失了故事进一步发散并怪力乱神的好机会，不过这仍旧是一部基本无尿点的欢喜爆米花大作。
　　跟当年的《回到未来》《阿比阿弟大冒险》这样的传统美式穿越，以及我朝时刻不消停的成打清穿相比，《黑衣人3》可谓将穿越落到了实处-拯救世界，巩固友情。既有可以上升到人类存亡的宏大命题，也有私人化的感情演绎。真到了要用一句话证明你穿越过的时候，人家J探员脸上可比我们有光多了。
　　
　　彩蛋TIP：
　　
　　1， 开头中国餐馆的戏份有部分删减，具体可对照预告片。
　　2， Z老大葬礼时，站在J探员旁边的颅骨外露外星人由本系列电影造型设计-好莱坞传奇特效大师RICK BARKER客串。
　　3， 继迈克尔杰克逊等人的客串后，LADY GAGA也在本集中露面。
　　4， 影片沿袭了导演对于棒球的热爱，三部曲每集几乎都有跟棒球有关的段落。（特别是纽约大都会队。。。）
　　5， 阿波罗11号再度露面，由于影片的制作人之一是斯皮尔伯格，还记得去年的《变形金刚3》同样出现了阿波罗11号吗？斯皮尔伯格同是制作人。
　　6， 前两集中的黑超局领导Z老大在本集中已经去世，而前两集中内只八哥犬外星人似乎也已故去，请注意看J探员家里的壁画。
　　7， 结尾揭示了J探员的身世，以及与K探员的真实关系。

         
　　考完试的今天，抽空下午去看了电影The Grey。不愿意称呼这部电影的翻译名字《人狼大战》，因为这部片子本身的含义远远超过了人与狼的对抗。原版的名字The Grey仿佛才能代替这种命运的无知与前途漫漫的感觉。
　　
　　 当然肯定是冲着老将Liam·Neeson去的。这位六十岁的老大哥继飓风营救之后的又一力作，不再是孤军在法国拯救女儿的退休特工，这次Liam饰演了一位在飞机失事以后迷失森林带领幸存者与那里的狼群做斗争的悲情英雄。
　　
　　这次的角色似乎是为他量身订做，丧妻以后失去斗志的男人，在阿拉斯加漫天的风雪里听到狼群的叫声，而让他放弃了自杀，这里我似乎想到了崔斯汀，那个听见自己内心的大熊呼喊的人，每一个人心中似乎都有一头狼，一头熊，在你脆弱的内心里呼唤，呼唤生命的力量与勇气。但讽刺的是狼群让他燃起了生命的意志而又是他们将他指引上了绝望的求生之路。
　　
　　 飞机失事以后的七人本以为是上天赐予的好运，但是随即发现他们被狼群所围捕， 一个接着的一个人被狼群撕裂，毁灭，在这漫天的风雪里没有神迹只有那些虎视眈眈的狼的饥渴的眼睛。在这里狼群似乎就代表了命运，代表了那些永远无法摆脱的苦痛与危险，想要摆脱他们也许是不可能，唯一可以做的就是坚持下去，没有任何怀疑的坚持下去，因为这正是希望所在。当约翰最后对Ottway说他放弃了，不愿意在往前走时，那样的妥协似乎是情有可原的，就像是生活中我们被一个又一个的苦难与孤独放倒，当看不到希望之光的时候，我们也会放弃然后安静等待死亡。
　　
　　这部电影最后只有Ottway一人剩下在这漫天的风雪里，周围是饥渴的狼，他再次念起父亲教他的诗歌：
　　
　　“Once more into the fray
　　
　　 Into the last good fight I’llever know
　　
　　 Live or die on this day
　　
　　 Live or die on this day”
　　
　　 想起亡妻对自己说的话“Don’t be afraid” 于是转身对着头狼，坚韧的眼神里对抗这最后一击，与命运决一生死，仿佛听到他在天地间怒吼“COME ON”
　　
　　这样的故事最后看的我心里为之震撼，很多时候生活就像那片白茫茫的雪地和看不见尽头的森林，没有神迹，没有光，永远都有甩不开的狼群在嘶吼，在眈视，在威胁，在等待，在撕破你的灵魂和肉体。想起高考之前的岁月，那些奋斗但又苦闷的日子，想起大学才来时的孤独与徘徊，想起19岁那年不如意的天台的岁月，我以为过了高考，生活会安逸，我以为到了大学，人生会平坦，但是正是像电影中一样，杀死一只狼，还有整个狼群，当你停下的时候就是狼群向你围来的时刻，命运不可知，但是孤单与恐惧将会伴随一生，而恐惧和孤独往往是动力，没有恐惧，哪有寻找光的勇气与决心，不管这人生的森林里有多少狼群像我们扑来，就勇敢地转过身来面对他们，直面你的恐惧，直面你的孤独，直面你的未知，然后像Liam一样，带着爱你的人的忠告“Don’t be afraid”然后对这些bastards 大吼出你生命的力量“COME ON!”
　　
　　 LIVE OR DIE ON THIS DAY！！文/小刺猬